味伯元之畫　詩禪輝映

呂春梅

　　三月十日，藝術門外漢的我，到妙心寺參加旅居法國的書畫家李伯元的座談會 ，一場心靈美宴，回味無窮，至今意猶未盡。

　　在黃文樹和邱敏捷兩位教授的穿針引線，用投影方式把李老師的藝術心靈那「 言語道斷」的內心，一一呈現出來。

　　第一張畫整張暗黑色的畫中，出現一男一女的線條，女的依偎在男的肩側，二人木訥、無奈的表情，看來苦悶至極，「藝術是苦悶的象徵」那種感覺，油然而生 。

　　李老師說：「這張畫是一九九○年在美國紐約畫的，和其他作品不同的是，這張畫是一氣呵成的。 」

　　「當時我的心情很苦悶，作畫時覺得自己完全投入，像進入『無我』一般。」（精準的說，應是專注而忘我，忘了苦惱。）

　　「這張畫，就把我當時的苦惱，那種感覺完全表達出來。」

　　也難怪會欣賞的傳道法師一看就說出：「李老師那時心情一定很差。」

　　李伯元老師把這張作品命名為「夫妻」，很有意思。如果我們將畫中的男女看成芸芸眾生，這幅「眾生有病」的一合相，讓人浮起「有海無邊際、世間多憂苦」這二偈，很有「fu（感覺）」。

　　從這，李老師分享藝術創作時，先要能表達內心的感動，後才能感動別人，才是藝術的價值。

　　他舉了兩個例子和我們分享這種內心的表達情境：

　　一是我國近代一位很會臨摹的國畫大師，他的作品在法國展示，畢卡索參觀後問了他：「某某先生，你的作品在哪裡？」

　　另一個例子，更有趣，一個學生很生氣地進入辦公室，責問李老師：「為什麼我的畫得八十分，另一張我幫同學隨便畫的，卻得八十五分？」

　　「你隨便畫的那張，我看到你沒有技巧的框框，比較有fu。」李老師這麼回答。講到這，李伯元談及美術教育，當他進入臺師大時，畫素描石膏像，他的老師一定要同學描到很真、很像，他不能認同這樣的觀念。他的觀念是：「對明暗、比例有一定素養就可以了，不需要畫一輩子的素描。因為素描主要是在培養、鍛鍊觀察的方法與能力。」

　　李老師進一步感慨地說：「但臺灣的教師卻要求畫石膏像一輩子；實際上，這種要求，可能會框住學畫者一輩子，束縛他們的創造力。」

　　這些話，和傳道師父的上課或演講很類似，把佛法的觀念與名詞講得讓人聽得懂，能受用、能改變眾生的觀念和習氣，而不會讓人對佛法產生高深莫測的感覺。也因如此，李老師的作品就法味盎然。他說：「我在創作時，很少一口氣把作品完成，總是偶然、隨意、自由、無目的地把染料在畫布上傾倒或揮灑，之後，才在這些成形的色塊、線條中，選擇比較會感人的部份，再決定加以或增或減、佈局。完成一幅畫之後，再為它命名，即大功告成。」

　　他形容這樣的創作過程，很像慧能的佛偈：「慧能沒伎倆，不斷百思想。對境心數起，菩提這麼長？」和那些把技巧學得純熟的如：「臥輪有伎倆，能斷百思想 ，對境心不起，菩提日日長。」的創作過程有很大的不同。

　　他又舉法國雕塑家羅丹為例，當法國政府要他雕塑巴爾札克（Balzac，1799∼1850）的塑像，但 他所雕塑出來的作品，卻和官員所提供的五十幾張相片不一樣，當官員質問他時，羅丹回答：「我讀完巴爾札克的作品，感覺到他的神韻是這樣的，況且，一百年後 ，誰知道巴爾札克長得是什麼樣子？」

　　所以，李伯元老師強調對內心要有很強的「覺照力」，創作才會有深受感動的感染力，也才會有生命力。依藝術的創作而言，畫得像不像，不是很重要。

　　我們欣賞他的畫作時，這樣的過程和感受，油然而生，「蓮花座」、「愛作夢的佳佳」、「大和尚」、「養病的佳佳」都是他一次又一次地對著畫布「心數起」而完成，並非先訂題目再來創作。水墨彩繪中禪的意味甚濃，東西繪畫心靈交相輝映。

　　從當年的屏東師範畢業，當老師時受舅舅啟蒙開始作畫，最後一名考入臺灣師範大學美術系，也是最後一名畢業。畢業後，在臺灣各中學任教；退休後，長期旅居法國。他說：「在巴黎可以敏銳地感受到世界畫壇的脈動。」傳道師父盛讚他快八十歲了，還完全保有赤子之心，沒有銅臭味。赤子之心是藝術創作的泉源。

　　我們還問他，你這種「禪思覺照」的創作，西方人懂嗎？他引用阿姜查的話：「佛教在東方，已是大樹，開花結果；在西方，目前雖是小樹苗，也即將像大樹一樣開花結果。」佛教的精神已深入西方人的心。西方人禪思覺照之作，已處處可見 。

　　與君一席話，勝讀十年書，妙心寺長期來的成長教育講座，社會上的達人紛紛來發表自己的專業，聽「伯元之畫，詩禪輝映」，聽「畫」聽出個所以然，內心難掩快樂，寫下這難得的因緣。